les films libèrent la tête

hIstOIres

2012-01-25T08:20:00.000-08:00

Histoire de l’Oeil
Story of the Eye
Story of I
Story of O
Histoire d’O

Dirty

2012-01-24T17:40:00.000-08:00

L'Eve Future

2012-01-21T14:14:00.000-08:00

" Edison dénoua le voile noir de la ceinture.

― L’Andréïde, dit-il impassiblement, se subdivise en quatre parties :

1° Le Système-vivant, intérieur, qui comprend l’Équilibre, la Démarche, la Voix, le Geste, les Sens, les Expressions-futures du visage, le Mouvement-régulateur intime, ou, pour mieux dire, « l’Âme. »

2° Le Médiateur-plastique, c’est-à-dire l’enveloppe métallique, isolée de l’Épiderme et de la Carnation, sorte d’armure aux articulations flexibles en laquelle le système intérieur est solidement fixé.

3° La Carnation (ou chair factice proprement dite) superposée au Médiateur et adhérente à lui, qui, ― pénétrante et pénétrée par le fluide animant, ― comprend les Traits et les Lignes du corps-imité, avec l’émanation particulière et personnelle du corps reproduit, les repoussés de l’Ossature, les reliefs-Veineux, la Musculature, la Sexualité du modèle, toutes les proportions du corps, etc.

4° L’Epiderme ou peau-humaine, qui comprend et comporte le Teint, la Porosité, les Linéaments, l’éclat du Sourire, les Plissements-insensibles de l’Expression, le précis mouvement labial des paroles, la Chevelure et tout le Système-pileux, l’Ensemble-oculaire, avec l’individualité du Regard, les Systèmes dentaires et ungulaires. "

Auguste de Villiers de L'Isle-Adam, 1886

Si Villiers de L'Isle-Adam a choisi le vrai Thomas Edison comme cosntructeur de son "Andréïde" c'est parce que l'inventeur commercialisa la première poupée parlante en 1877.

http://cultureandcommunication.org/deadmedia/index.php/Phonograph_Doll

The Art of Film Poster in Japan

2012-01-19T12:20:00.000-08:00

Expo au National Film Center de Tokyo

du 7 janvier 2012 au 31 mars 2012

Tadanori Yokoo
Shin Abashiri Bangaichi : Saihate no nagaremono [Abashiri Prison : The Vagrant Comes to a Port Town] Kioshi Saeki, Toei, 1969)

" Les affiches de films étaient accrochées dans les cinémas et dans la rues comme des éléments publicitaires, et dans la plupart des cas au Japon, crées anonymement sous le control des compagnies de distribution et de production. Pourtant, au-delà d’un mode de fabrication, vous vous apercevrez que les affiches de cinéma possèdent une réelle valeur graphique si vous en reconstituez l’histoire.
De nombreux talents ont croisés le monde du cinéma dans son âge d’or, comme le célèbre graphiste Takashi Kono qui était très actif à la Shochiku dans les années 30, Hisamitsu Noguchi qui créa à son époque de très romantiques affiches pour les films européens, et après la guerre, l’illustrateur Sentaro Iwata qui exposa la beauté féminine japonaise. En 1960, l’Art Theatre Guild (ATG) apparu et avec elle de jeunes illustrateurs qui épousaient exactement les révolutions artistiques de leur époque. Dans le dialogue intime entre le film, l’art, la littérature et le théâtre, des artistes de la nouvelle génération comme Kiyoshi Awazu, Tadanori Yokoo et Makato Wada, ont transfiguré le style conventionnel de l’affiche de cinéma. "

Texte d'introduction du catalogue.

Takashi Kono
Ojosan [Jeune demoiselle]
(Yasujiro Ozu, Shochiku, 1930 - film perdu)

Takashi Kono
Ten-ichibo to Iganosuke [Ten-ichibo and Iganosuke]
(Teinosuke Kinugisa, Shochiku, 1933)

Noboru Ochiai
Tsuzurikata Kyoshitu
(Kajiro Yamamoto, Toho, 1938 - avec Hideko Takamine)

Shigemi Hijikata
Enoken no hokaibo
(Torajiro saito, Toho, 1938)

Sentaro Iwata
Ugetsu monogatori (Les Contes de la lune vague après la pluie)
(Kenji Mizoguchi, Daei, 1953)

Tatsumi Shimura
Hibotan bakuto : Oryu sanjo [Red Peony Gambler : Oryu's return]
(Tai Kato, Toei, 1970)

Kazuo Kamimura
Les Parapluies de Cherbourg (Jacques Demy)
Affiche de 1973

Kiyoshi Awazu
(Week End, Jean-Luc Godard)
Affiche de 1969

Kiyoshi Awazu
(La chinoise, Jean-Luc Godard)
Affiche de 1969

Kiyoshi Awazu
Tanin no kao (Le Visage d'un autre)
Hiroshi Teshigahara
Affiche de 1979

Kazuichi Hanawa
Den-en ni shisu (Cache-cache pastoral, Shuji Terayama, 1974)

Takashi Ishii
Nudo no yoru (A Night in nude)
(Takashi Ishii, 1993)

National Film Center; (03) 5777-8600; 3-7-6 Kyobashi, Chuo-ku, Tokyo
1-min walk from Exit 1 of Kyobashi Station, Ginza Line
11 a.m.- 6:30 p.m. ¥200.
Closed Mon.

www.momat.go.jp/FC/fc.html

Mangas d'horreur des années 80

2012-01-17T09:39:00.000-08:00

Dans les années 80, alors que les fantômes avaient disparus des écrans, les mangas assurèrent une continuité. S'adressant à des collégiennes et lycéennes, les auteurs les prirent comme héroïnes, plaçant les fantômes et femmes-chats classiques dans leur cadre quotidien : les écoles, les immeubles de la classe moyenne, les bus, les parcs...

Sans le savoir, ils posaient les bases esthétiques de la J-Horror.

La larme de Rachel

2012-01-14T11:57:00.000-08:00

Les souvenirs d’enfance de Rachel ne seraient que des implants mémoriels empruntés à la véritable nièce de Tyrell. Lorsque Deckard lui révèle sa nature de répliquante et de double d’une autre jeune fille, morte, Rachel verse une larme. Deckard est troublé, pas seulement parce qu’une de ses proies manifeste une émotion humaine, pas seulement parce qu’il vient de tomber amoureux de la jeune fille, mais sans doute parce que lui apparaît soudain la fragilité de ses propres souvenirs.

L'enfer des jeunes fille par Konuma

2012-01-14T09:39:00.000-08:00

Yumeno Kyusaku no shoujo jigoku de Masaru Konuma (1977)

Experiment in Terror - un germe lynchien

2012-01-12T05:17:00.000-08:00

Experiment in Terror (1962) de Blake Edwards. On ne peut pas rêver plus belle ouverture de film : une ballade nocturne dans San Francisco avec Lee Remick comme chauffeur.

La musique de Mancini est un jazz feutré et subtilement inquiétant, presque aquatique, qui anticipe les morceaux de Badalamenti pour David Lynch.

Et au terme de la ballade, ne clignez pas des yeux pour ne pas le manquer, est révélé le nom du artier résidentiel où habite Lee Remick, là où va commencer son expérience de la terreur : Twin Peaks !

For Fukushima

2012-01-11T13:45:00.000-08:00

For Fukushima est un projet pour envoyer des fruits (pommes, agrumes entre autres) pour les sinistrés du Nord du Japon, notamment les enfants. Pour récolter de l'argent pour les acheter, Yoko Higashi vent des badges originaux à 2 euros (design par Millau Ogawa).
Pourquoi spécialement des pommes ou des agrumes? Ces fruits contiennent beaucoup du pectine qui a l'efficacité de réduire le Césium accumulé dans le corps humain.
Parfois, selon le besoin, l'argent récolté serait utilisé pour des associations qui soutiennent les sinistrés.

Vous pouvez contacter le projet "For Fukushima" sur sa page Facebook
page facebook. Ici.

Installation vidéo sur Aeroflot

2012-01-06T17:24:00.000-08:00

遠方の彼方から. Quand on aime, il faut partir

2012-01-06T17:08:00.001-08:00

遠方の彼方から. Mishima

2012-01-06T16:26:00.000-08:00

遠方の彼方から. Au hasard des librairies

2012-01-06T15:29:00.000-08:00

遠方の彼方から. 27 vues de kabukicho

2012-01-06T07:54:00.000-08:00

遠方の彼方から. Les mystérieuses ruelles de Nakano

2012-01-02T19:56:00.000-08:00

遠方の彼方から. Patronne de bar à Golden Gai

2012-01-02T19:28:00.001-08:00

遠方の彼方から. La fresque Tezuka à Takadanobaba

2012-01-02T03:56:00.001-08:00

遠方の彼方から. Bienvenue dans l'année du dragon

2012-01-01T00:47:00.001-08:00

遠方の彼方から. Au cimetière Zoshigaya

2011-12-31T04:07:00.000-08:00

遠方の彼方から. Lolita à Shinjuku

2011-12-31T04:01:00.001-08:00

遠方の彼方から. Shinjuku Station. 00:30 - 00:50

2011-12-28T03:06:00.000-08:00

遠方の彼方から. Le cas étrange de la collégienne sans tête

2011-12-28T02:50:00.001-08:00

遠方の彼方から. Natsuko

2011-12-28T02:28:00.000-08:00

No music no life
No beer no life
No Golden Gai no life
No Natsuko no life

"No music no life" est le slogan de la grande enseigne de musique et DVD Tower Records. On le retrouve dans les bars de Golden Gai, décliné en "No beer no life". Natsuko est l'une des reines de Golden Gai, qui travaille dans plusieurs bars tout au long de la semaine. Elle est toujours d'une gentillesse exemplaire. Elle vient du nord du japon, des mont hantés, et adore parler de fantômes et de yokaï. Elle est particulièrement douée pour faire le célèbre "Gwashi" de Makoto-chan, le garnement fantôme de Kazuo Umezz.

遠方の彼方から. Bazar bizarre à Shimokitazawa

2011-12-26T18:46:00.000-08:00

Village Vauguard à Shimokitazawa n'a rien à voir avec le célèbre club de jazz new-yorkais. C'est un bazar à l'inventaire impossible, bourré à craquer de bizarreries même pour les normes japonaises. Outre les peluches Bob l'éponge et les masques de comiques locaux (on peut donc se déguiser en personne inconnue - une idée à retenir), on trouve de nombreuses revues et livres de "deviant art" : la revue yaso, les mangas de Suehiro Maruo, ou tout ce qui touche à la culture des poupées.

遠方の彼方から. Jeunes créatrices de poupées à Kichijoji

2011-12-25T02:29:00.000-08:00

Kichijoji est un endroit étrange, pas seulement parce que le grand mangaka d'horreur Kazuo Umezz y a construit sa maison hantée. L'atmosphère y est un peu désuette, comme dans cette grande rue commerciale où l'on trouve des brocanteurs, des boutiques d'inspiration anglaise et de l'artisanant d'art. Au bout de la rue, des quartiers résidentiels un peu vétustes m’évoquant celui de la série Ju-on.J'y ai découvert cette petite galerie où de jeunes artistes exposent leurs créations, des poupées un peu nécrosées, d'un érotisme évidemment trouble, mais très gracieuses.

le site de l'exposition ici

遠方の彼方から. Du côté de Kichijoji

2011-12-25T01:57:00.000-08:00

遠方の彼方から. Strange encounter at Nichome

2011-12-25T01:37:00.001-08:00

遠方の彼方から. Shadows

2011-12-24T18:20:00.000-08:00

遠方の彼方から. Strange encounter at the konbini

2011-12-24T10:04:00.001-08:00

遠方の彼方から. La shibuyette

2011-12-24T02:37:00.000-08:00

Le 109 est son paradis et les collines de Maruyama parfois son enfer.

Elle a compris que s'habiller c'était d'abord se déguiser.

On peut bien sûr la trouver ridicule avec ses manteaux de fourure synthétique blanche, ses perruques et ses teintures blondes, ses fonds de teints orange, ses faux cils démesurés, ses ongles sculptés et pailletés, et son téléphone devenu un extension organique de sa main.

Mais moi je la préfère, avec ses excès et sa candeur, à la Parisienne et sa fausse élégance, qui dès les premiers jours d'octobre s'habille de noir.

遠方の彼方から. Jimbocho, le quartier des bouquinistes.

2011-12-23T00:46:00.000-08:00

Il y a là-bas d'étonnantes boutiques de cinéma, pleines à craquer d'affiches, d'anciennes revues aux couvertures peintes, et de numéros des livrets ATG. Rien n'y est forcément très cher (7.000 yens pour une affiches de Black Rose Mansion avec Miwa). Mais la saturation est telle que l'on repart souvent avec rien, par dépit de ne pouvoir tout acheter. Certains rayons créent aussi des besoins que l'on ignorait comme de se constituer une collection de revues des années 50 sur le base-ball, tellement les couvertures peintes sont belles et les joueurs aux expressions farouches, presque maquillés, ressemblent aux samouraïs fardés de la Daei, les battes remplaçant les sabres. Il y aussi des boutiques spécialisées dans les teen idols où le culte des jeunes chanteuses et modèles dérive généralement vers des magazines et des vidéos plus douteuses.

On peut y trouver d'anciennes revues érotiques. J'ai acheté celle-ci pour sa fascinante couverture.

遠方の彼方から. Shinjuku Nichome

2011-12-22T14:42:00.000-08:00

遠方の彼方から. 2 expos à la Mori Tower

2011-12-21T22:15:00.000-08:00

Le Musée Mori est situé dans le quartier que j'aime le moins à Tokyo : Roppongi, lieu de rendez-vous des gaijins, de filles pour le moins vulgaire voulant attraper un gaijin et de gaijins voulant coucher avec une japonaise mais échouant évidement dans un bar à hotesses philippin. Rien de bien intéressant dans cette version sans charme de kabukicho. Pourtant, c'est là aussi que se trouve l'un de mes lieux préférés, la Mori tower avec son panorama, l'araignée maman de Louise Bourgeois et le musée d'art contemporain. En décembre et janvier deux belles expos.

La première présente plus de 400 pièces du dessinateur Kunyoshi (1797-1860). Magnifique parcours dans l'oeuvre d'un génie de l'ère Edo ayant abordé tous les genres : dessins épiques retraçant la geste de héros, scènes de la vie quotidienne, épouvante (magnifique représentation d'Oiwa), portraits d'acteurs kabuki. Il n'y a pas chez Kunyoshi la fièvre d'Hokusai mais une virtuosité impressionnante dans la juxtaposition des tissus des kimonos, la vivacité des couleurs et le vertige de la ligne claire. Kunyoshi est un maître de la saturation et de l'illusion d'optique. Il faut parfois quelques secondes pour réaliser que la masse noire qui enserre un samouraï est un félin géant ou un terrifiant varan ou qu'un dragon s'enroule dans le bleu des vagues.

Cette perception à retardement impose au dessin une temporalité qui est déjà du cinéma. Un dessin rectangulaire et vertical représente une maison sur 5 étages, devant la porte un samouraï se tient pret à l'attaque mais son adversaire est sur le toit de la maison pret à bondir. On peut saisir l'image dans sa totalité mais aussi, remonter de bas en haut, guidé par la rythmique répétitive des étages.

Les dessins horizontaux nous rappellent la phrase de Marker dans Sans Soleil sur les dessinateurs japonais ayant inventé le Cinémascope avant l'invention même du cinéma.
Kunyoshi était par une ailleurs un formidable dessinateur de chats.

Après les 400 oeuvres de Kinoshya, il aurait mieux valu remettre la seconde exposition à un autre jour. Il s'agit d'une présentation du mouvement architectural "Metabolisme" apparu en 1960. Je n'y ai pas compris grand chose sinon qu'il s'agissait d'une vision futuriste adaptée à la scociété de masse, et donc modulable en fonction de l'acroissment de la population. C'est évidemment la vision du futur vue depuis les années 60 qui intrigue et la sensation de découvrir des décors de science-fiction. Si l'euphorie capitaliste des années 60 japonaise est bien présente, certaines réalisation donnent une image pour le moins inquiétante des sociétés futures. Les appartements capsule, par exemple, où seuls pourraient habiter des fans hardcore de Cosmos 99.

Le site de la Mori Tower

遠方の彼方から. Convenience store

2011-12-21T10:02:00.001-08:00

On raconte que des industriels japonais envoyèrent dans les années 60 un groupe d'employés aux USA, pour leur faire chercher des concepts à adapter. Ils ne trouvèrent rien de bien intéressant. Par hasard, avant de prendre leur avion, ils entrèrent dans une épicerie ouverte 24h/24h. C'est ainsi que fleurirent sur le sol japonais ces superettes au nom de Family Mart, Lawson, 7 Eleven (parfois espacés d'à peine une 20e de mètres). Au Japon, on les nomme Convenience Store (boutique de commodités) abrégé en "konbini", et quelque soit leur taille, on y trouve en efet tout ce qui est indispensable : des produits de maquillage, des plats instanés (que l'on peut réchauffer et manger devant le konbini), des cigarettes, une profusion de cafés froids en canettes, des revues érotiques ou de spiritisme, des figurines de Godzilla et Lupin III... et bien sûr à peu près n'importe quoi sur les AKB48.

Quand j'ouvrirai les yeux, je serai a Shinjuku

2011-12-16T16:50:00.001-08:00

Published with Blogger-droid v2.0.2

Alice par Kuniyoshi Kaneko (1974)

2011-12-10T16:09:00.001-08:00

Christopher Walken chez Fatboy Slim et Spike Jonze par Jean-Pierre Dionnet

2011-12-08T12:22:00.001-08:00

«Incroyable de voir que les acteurs qui ont commencé comme danseurs : Cagney, Gabin, Godunov chez Mc Tiernan et lui ont appris à ne presque pas bouger.
Ils savent la valeur du geste.»
Jean-Pierre Dionnet, commentaire Facebook, le 8/12/20011.

Chris Marker rêve de l'Amérique qui rêve 2.

2011-12-07T14:01:00.001-08:00

Chris Marker rêve de l'Amérique qui rêve 1.

2011-12-07T13:52:00.001-08:00

Chris Marker, Commentaires, Seuil, 1961.

David Lynch, American Gothic Style

2011-12-05T14:08:00.001-08:00

Le Japon par Yefime. 2.

2011-12-05T12:14:00.001-08:00

Le Japon par Yefime

2011-12-05T10:15:00.001-08:00

En 1954, Chris Marker dirige la collection Petite Planète au Seuil.
Le 21e titre, Japon par Yefime (mais qui était Yefime ?), paraît en 1964. L’ombre de Marker plane bien entendu sur l’ouvrage. Il est l’auteur de la photographie de couverture pour la réédition de 1970 : un visage de jeune fille, masque énigmatique au regard impénatrable, sort de l’ombre comme les personnages de La Jetée. A l’intérieur, une autre photo : les passagers du métro dont plus tard Sandor Krasna, le caméraman médium de Sans Soleil, enregistrera les rêves.

Couverture de l'édition 1964

Borowczyk

2011-12-04T12:39:00.001-08:00

Le Cas étrange du Docteur Jekyll et Miss Osbourne (1981)
Le Magicien (1959)
Les Astronautes (1959)
Une collection particulière (1973)
Intérieur d'un couvent (1978)

Samouraïs soniques au musée du Quai Branly

2011-11-25T17:17:00.001-08:00

Hier soir, un «before» au musée du Quai Branly, à l’occasion de l’expo consacrée aux samouraïs et surtout à leurs armures.

Il y avait un mini-concert de Yoko Higachi (la danseuse butô qui fait la couverture de mon livre sur les fantômes du cinéma japonais) sous son identité musicale de HamaYoko. Des mélopées telluriques, se perdant en échos. Evidemment porté par le charisme de l’interprète, ici en kimono, évoquant quelque terayamaesque créature.

Ensuite Doravideo (Batteur de Acid Mother Temple) qui a remixé quelques classiques du film d’action asiatique, dont Kill Bill (eh oui, je tiens la scène des Crazy 88 pour un classique), un film dont le titre m’échappe mais avec Sho Aikawa (un Miike ?) et le premier épisode de Baby Cart. Avec un petit clavier, Doravideo sample et mixe en direct les images et les sons (très thrash metal). C’est probablement une des expériences cinématographique de l’année et la découverte d’un génie du montage.

Enfin, visite à l’expo samouraï. Au fond, à part peut-être chez Kurosawa (et l’on miserait alors sur la direction artistique), on ne voit jamais vraiment à l’écran les armures des samouraïs. On ne perçoit pas comment la fonction première de ces masques était d’inspirer avant tout l’effroi. Dans la fureur des combats, le sang, et les mutilations, le samouraï devenait, en apparence et en acte, un démon.

.... et pour donner une touche d'exostime sexy, les modèles de Dr. Sketchy Anti-Art School posaient pour les photographes et dessinateurs.

lovexposé

2011-11-24T09:56:00.001-08:00

Sono Sion et Megumi Kagurazaka

Parallax

2011-11-23T19:09:00.001-08:00

Les Malheurs de Sophie par Guy Sabran (2)

2011-11-23T13:17:00.001-08:00

Les Malheurs de Sophie par Guy Sabran (1)

2011-11-23T13:08:00.001-08:00

Sophie (1858) est la plus fascinante des héroïnes pour la jeunesse française. Sadique, adepte de l’automutilation et des expériences extrêmes, elle serait de nos jours envoyée directement chez le pédopsychiatre. La comtesse de Ségur (née Rostopchine mais dont le prénom n'est autre que Sofia) détaille froidement, presque cliniquement, les diverses expériences de Sophie. Un tel texte aurait dû exciter l’imagination des illustrateurs. Il n’en n’a rien été. Les images de la Bibliothèque rose ou d’autres éditions sont généralement d’une mièvrerie impressionniste, faisant la part belle aux jolies robes et aux coiffures de Sophie et de sa mère Madame de Réan.
Pourtant, il y a quelques années, je dénichais dans une brocante une édition de la bibliothèque Rouge et Or, datant de 1947, illustrée par Guy Sabran. Enfin, le texte trouvait un dessinateur à sa mesure : moderne, étrange, déviant. Il y a chez Sabran un goût pour les disproportions, les regards exorbités et la cruauté (la poupée disloquée et presque ensanglantée) qui en font un parent éloigné de l’underground. Nous ne sommes pas loin de Blanquet. On ne sait pas grand chose de Sabran,
ici
outre qu’il fut le frère du prolifique auteur de romans populaires Paul Berna
ici
dont il illustra les aventures de Zoupette, cousine de Martine.

Bref, un illustrateur qu’il faudra redécouvrir un de ces jours.

Pourquoi les papillons en veulent-ils autant aux jeunes filles japonaises ?

2011-11-19T11:16:00.001-08:00

1. Kazuo Umezzu

2. Osamu Tezuka
3. Inconnu

Les entrailles de l'ange

2011-11-18T18:46:00.001-08:00

Angel Guts: Red Classroom (1979) de Chusei Sone, scénario Takashi Ishii

Muraki, éditeur de magazines érotiques, assiste à la projection privée d’un film déjà ancien : une lycéenne se faisant violer par 5 hommes dans une salle de classe. Muraki est bouleversé par le visage de la jeune fille, qui tombe en syncope au terme de son viol et se relève, dénué de toute expression, et retombe encore. Le viol était-il réel ? A-t-il assisté à la destruction d’un être humain.

Muraki retrouve la jeune fille, nommée Nami, au guichet d’un Love Hotel, cadre d’une séance photo. Il lui donne rendez-vous; ils vont à l’hôtel mais il refuse de lui faire l’amour. «Je veux te revoir demain» lui dira-t-il. Mais elle ne viendra pas ; elle lève un homme dans un bar et nous aurons l’exemple de sa folie : une sexualité violente et insatiable.

Muraki ne cesse pourtant pas de l’aimer. 3 ans plus tard, alors qu’il erre ivre dans les ruelles de Golden Gai, il la voit dans l’embrasure de la porte d’un bar. Il tente de l’entraîner avec lui mais le patron, amant de Nami, le roue de coups dans un terrain vague. Il revient pourtant le lendemain et se fait à nouveau battre, mais cette fois il reste dans le bar.

Il observe alors les activités de Nami qui se donne sur le comptoir à 5 hommes, reproduisant le film initial... et il voit aussi que l’on sort une lycéenne ligotée, d’une trappe, et qui est violée à son tour.

Ce qui a détruit nami, au-delà encore de son viol, c’est le film lui-même, qui a volé son image, transformant son supplice en spectacle, le réitérant à chaque projection. On a atteint ici la plus infernale des dégradations. Nami non seulement reproduit les conditions de son viol mais remet en scène le spectacle de la destruction de son innocence sur une autre jeune fille.

Devant le bar, Nami semble sortir d’une vision néo-sirkienne de Fassbinder, un glamour corrompu. Elle entraîne Muraki dans son monde, absolument disloqué. C’est le passage le plus beau du film, expérimental et inattendu. Des plans de vitesse et d’énergie traversent la scène qui déstructure en faux raccord. Mais cette énergie ne va nulle part, ce n’est qu’une convulsion.

La Mort n'en saura rien

2011-11-17T09:30:00.001-08:00

- Vous me cherchiez... comme votre sœur.
Vous l’aurez voulu.
Je viens vous prendre.
- Qui êtes-vous ?
- Les Trois Mères, vous n’avez pas compris ?
Mater Tenebrarum...
Mater Lacrirarum...
Mater Suspiriorum...
Mais on nous désigne par un seul nom qui emplit d’effroi le cœur des hommes.
Ils nous appellent LA MORT !

Dario Argento, Inferno (1980)

Fellini, Roma (1971)

Autres images
"La mort n’en saura rien"
Reliques d’Europe et d’Océanie Musée des Arts d’Afrique et d’Océanie
13 octobre 1999 – 28 février 2000

1. Joseph Anton Seethaler, orphèvre
Statue reliquaire de Saint Pancratus (1777
Allemagne Augsbourg
2. Gisant de Saint Prosper (1790)
Fribourg

Maria

2011-11-16T11:25:00.001-08:00

Qui est Simon Yotsuya ?

2011-11-15T19:36:00.001-08:00

Le hasard objectif fait toujours bien dans les choses, surtout dans les bibliothèques. La semaine dernière, je flânais à celle de la MCJP. Au rayon des ouvrages sur les jouets, je découvrais un grand livre rouge, catalogue de l’exposition consacrée à Simon Yotsuya, créateur de poupées. Sans connaître son nom, j’avais déjà vu ses œuvres dans un numéro de Yaso consacré à Bellmer.

Le livre présentait un étrange personnage, un très beau travesti photographié par Eikoh Hosoe et plusieurs de ses créations allant de «classiques» poupées d’inspiration bellmerienne à des simulacres plus inquiétants. Un jeune garçon ouvrant son abdomen pour dévoiler ses entrailles comme un mannequin anatomique ;

d’autres jeunes garçons et filles, dont l’armature dévoilée contrastait de façon dérangeantes avec l’hyperréalisme de leurs traits, de leur peau de plastique et de leurs organes génitaux ;

plus insolites encore des poupées adultes, musculeuses et barbues, aux traits anodins mais mélancoliques.

Simon Yotsuya... avec son curieux prénom français... parfois appelé Shimon Yotsuya. Il y avait du Molinier chez lui, autant que du Bellmer. En tout cas un de ces artistes japonais flamboyant et excentrique comme je les affectionne. Je me promettais de faire des recherches sur le personnage... Une pièce cruciale m’apparut aujourd’hui. Toujours à la MCJP, je lisais un gros catalogue d’exposition sur les avant-gardes japonaises. Le Labyrinthe d’herbes de Terayama passant le soir même, j’allais au chapitre du théâtre. On parlait de évidemment de Terayama, mais aussi de Juro Kara et de sa troupe Jokyo Gekijo et ses comédiens incroyables : Akaji Maro, Reisen Ri et... Simon Yotsuya. Le créateur de poupées faisait donc partie d’une des plus tumultueuses troupes d’avant-garde japonaise des années 60.
Le meilleur document possible sur le Jokyo Gekijo est le film d’Ôshima, Journal d’un voleur de Shinjuku en 1969. Il y a tout, Juro Kara, ogre charismatique et sensuel, la tente rouge du temple de Hanazono à Shinjuku (oui, celui que l’on traverse souvent la nuit pour aller à Golden Gai) et ses comédiens fardés, outranciers, dont Simon Yotsuya - si j’ignorais son nom, son visage ne m’était donc pas inconnu.

C’est l’une des particularités de l’avant-garde japonaise, peut-être due au petit périmètre où évoluait ses acteurs, essentiellement Shinjuku, de les voir circuler entre les catégories artistiques (le héros du Journal d’un voleur n’est autre que Tadanori Yokoo, star du pop art japonais).
Mais tout ça, au fond, ne me dis pas qui est vraiment le créateur de poupées Simon Yotsuya. Une affaire à suivre.

La belle Clarimonde

2011-11-13T16:23:00.001-08:00

«Elle sauta à bas du lit avec une agilité animale, une agilité de singe ou de chat, et se précipita sur ma blessure qu'elle se mit à sucer avec un air d'indicible volupté. Elle avalait le sang par petites gorgées, lentement et précieusement, comme un gourmet qui savoure un vin de Xérès ou de Syracuse ; elle clignait les yeux à demi, et la pupille de ses prunelles vertes était devenue oblongue au lieu de ronde. De temps à autre elle s'interrompait pour me baiser la main, puis elle recommençait à presser de ses lèvres les lèvres de la plaie pour en faire sortir encore quelques gouttes rouges.»

Théophile Gautier, La morte amoureuse.

L'enfer commence avec L

Sous les arcades de ses yeux
Il y a eu tant d'amoureux,
Tant de passants provisoires

Et puis soudain,
De mon coeur à son coeur comme l'écho
D'un amour qui me laisse sans voix
Toujours dans mon ombre
La nuit soupire, me dévisage

Sans rendez-vous,
Là, d'un seul coup,
Elle boit le bleu de mes rêves
J'attends son heure
Quand le soir ouvre le bal,
Je me pique à son étoile
L'enfer commence avec L

Sous les arcades de ses yeux,
J'envisage mes nouveaux cernes
Cocktail de pâleur, bloody mortel
Mon mauvais ange
Se change, pour me plaire,
En belle de nuit
Et son souffle sur mes lèvres
Joue avec le feu
Sans éteindre ma vie
Joue encore...

Sans rendez-vous,
Là, d'un seul coup,
Elle boit le bleu de mes rêves
Puis m'abandonne
Quand le jour ferme le bal
Son éternité me tue
L'enfer commence avec L

Aucun miroir
Ne peut la voir
M'enlacer
Pour mieux me glacer.
Je sens sa fièvre,
Comment garder mon sang-froid ?

Trois anniversaires de Sono Sion

2011-11-13T13:15:00.001-08:00

Le temps et les anniversaires sont des obsessions pour les personnages de Sono Sion ; questions que l’on se pose au quotidien et qui peuvent entrainer vers des gouffres. La jeune épouse de Guilty of Romance, quelques jours avant l’anniversaire de ses trente ans, dérive vers le quartier des love hotels de Shibuya et la prostitution. Le cinéma de Sono Sion est existentialiste, si tant est que l’on veuille donner à ce mot encore un sens, et que l’on soit préoccupé par la seule chose qui nous soit léguée à la naissance.

Anniversaire 1. Je suis Sono Sion (Ore Wa Sono Sion da !, 1985)
Un de ses premiers court métrages, tourné en école de cinéma, Je suis Sono Sion relate les derniers jours du cinéaste avant son anniversaire. Une série de saynètes parfois cocasses ((il taquine une amie en imitant sa voix aigüe), drôles et angoissantes (un punk, tendance new wave japonaise, lui rase la tête malgré ses supplications), classiquement surréalistes (il embrasse des statues) et une symbolique que l’on retrouvera dans ses futurs films (pantomime dans un appartement vide)... mais le fond du film est cette affirmation : je suis Sion Sono.

L’anniversaire de Sion marque la fin du film, et donc sa naissance comme cinéaste : le 6 décembre à 21h30 et 30 secondes. C’est son anniversaire mais ses images sont noires, sa pellicule n’étant pas assez sensible... pas complètement noire bien sûr, mais remplies d’accidents, de taches, de floutés colorés et, par l’usure du temps, de rayures expérimentales. Ces images défectueuses ne sont pas une fin, mais contiennent toute une potentialité tumultueuse.

Anniversaire 2. Bicycle Sigh (Jintensha toiki, 1990)
Un personnage, à tête de gorille, s’introduit dans la chambre d’un apprenti cinéaste. Il déclenche le projecteur super-8, mais la pellicule, sortie de la bobine, se déverse sur le radiateur et fond au fur et à mesure de la projection. Sur le mur, une jeune fille court dans un pré, et puis s’éloigne au fond de l’image.

Alors qu’elle disparaît, la pellicule se désagrège elle-aussi. Le film du souvenir passe dans une chambre vide, pour personne (car le gorille n’existe pas, bien sûr), et s’efface peu à peu. C’est une des belles idées du premier long métrage de Sono Sion, sur la vie fantaisiste, mais solitaire et mélancolique, de deux adolescents.
Ils croient qu’une société secrète veut faire disparaître les habitants de «10 chi street, Nakamachi,Toyokawa» ; un acteur fantôme, avec un masque de Godzilla, apparaît dans leurs films ; Shiro (Sono Sion) se déguise en super-héros (goût du travestissement que l’on retrouve dans ses futurs films) pour sortir son ami de l’hôpital.

Le 1er janvier Shiro passera son anniversaire, ivre mort, écroulé dans le couloir d’un métro désert ; Quant à au cinéaste, il aura gâché la rencontre avec la famille de la fille qu’il aime.
Par la progression de leur imagination, les deux amis (en fait les deux doubles de Sono Sion) parviendront pourtant à s’évader de Toyokawa. Dans le court métrage qu’ils tentent de finir, une des bases d’un terrain de base-ball quitte sa trajectoire, se poursuit sur la route, jusqu’à l’océan. Il faut entrer dans le film - devenir cinéaste - pour sortir du quotidien.

Anniversaire 3. Keiko desu kedo (1997)
Keiko, prise aussi dans le décompte des jours jusqu’à ses 28 ans, est elle aussi obsédée par le temps et les réveils.

Elle invente des comptines, disant "bonjour" et "au revoir" aux secondes. Elle filme des bulletins d’informations (Keiko’s News Today), jouant une présentatrice surexcitée commentant sa journée. Mais qu’a-t-elle fait à part marcher dans la rue, prendre le métro et boire un café ?

Et tout se brise lorsqu’elle apparait sans maquillage ni perruque, et regarde tristement la caméra. Aujourd’hui, elle n’a rien fait, il ne s’est rien passé, elle a à peine existé. Elle n’a fait que vieillir imperceptiblement. Dans un autre plan, un des plus beaux, Keiko est immobile, d’une fixité photographique, sans même un battement de cil. Seul mouvement dans l’image : la trotteuse du réveil poursuivant sa révolution obstinée... et la faisant vieillir, de seconde en seconde.
Keiko finira pourtant par s’évader de son mode d’objets et de solitude. Comme plus tard la policière de Guilty of Romance, sortant les poubelles, elle traverse son quartier, puis atteint un paysage de neige, aussi blanc que sa maison étaient emplie d’objets colorés.
Love exposure, le chef d’œuvre de Sono Sion est surtout une suite de recommencements et de nouveaux départs...
Il n’y a jamais de fatalité dans les films de Sono Sion. Pas même celle du temps. Tout est toujours possible.

Last song for you

2011-11-01T11:25:00.000-07:00

Les sourcils et la bouche de Momoe Yamaguchi étaient parfaitement rectilignes, son nez était lui aussi mince et droit, et son menton d’un ovale parfait. Une beauté pure et absolue que l’on croirait sortie d’un manga.
Née en 1959, elle n’avait que 13 ans lorsqu’elle commença à chanter en uniformes de marin. On lui concocta des textes à double sens dont les sous-entendus sexuels (à l’image des Sucettes de Gainsbourg) contrastaient avec son allure de sage écolière. En 1980, elle épousa l’acteur Tomokazu Miura et se retira de la scène après un ultime concert.
Le dernier morceau qu’elle chanta en public est l’un de ses chefs-d’œuvre : Last song for you, qui de fait acquit un statut mythique.
La vidéo est l’une des plus mélodramatiques de Momoe, qui pleure, presque sans interruption, pendant les 7mn que dure le morceau.
On admirera comment les sanglots et la voix brisée deviennent une part intégrante du chant de Momoe. On s’interrogera aussi sur une érotique des larmes, tant Momoe suffoque et s’abandonne pendant les 8mn que dure la vidéo.
On admirera la blancheur sensuelle et hypnotique de ses bras nus.
On admirera le panoramique remontant le long de la robe blanche en corolle, sa gorge soulevée par le chagrin, son cou tendu vers le ciel et son visage renversé, encadré de fleurs.
Accroché à sa main, un pan de la robe fait du tissu entier, le mouchoir qui recueille ses larmes.

Etrange petite fille

2011-10-31T09:26:00.000-07:00

Si les films sont les fantasmes de la vie, les vidéo-clips sont le fantasme de ces fantasmes. Adolescents, on pouvait tomber amoureux d’actrices, mais souvent et plus encore de ces créatures anonymes que l’on apercevait dans les video-clips. Cet amour durait le temps de la diffusion du clip à la télévision, et leur visage s’évanouissait peu à peu. Qui étaient-elles d’ailleurs ? Apprenties comédiennes ou mannequins ? Groupies des chanteurs ou clientes d’une boutique de vêtements punks à Londres ? Leurs 3mn de célébrité stockées dans les archives des maisons de disques, on ne pensait jamais les revoir. Et puis est arrivé Youtube. Les vidéo-clips devenaient des capsules temporelles idéales où nous retrouvions ces figures du passé, figées dans leur adolescence et bien plus encore dans notre adolescence. Celle qui pourrait toutes les résumer serait la jeune fille de Strange Little Girl des Stranglers. Une punkette parmi d’autres, un peu à la dérive dans la grande ville ; une proie facile pour les étrangleurs qui rodent.

Tes yeux noirs et ton sourire, au fond, on ne les avait jamais oubliés.

L'Atalante par Roland Topor

2011-10-31T05:29:00.001-07:00

Un cinéma à Tokyo (1970)

2011-10-30T07:05:00.001-07:00

Pierrot le Fou, version japonaise

2011-10-28T10:40:00.000-07:00

Kotaro Okoshi

2011-10-27T04:11:00.000-07:00

" One day I asked a high school friend of mine about her hobbies and she answered "Plastic models." And another high school girl told me she was way into military uniforms. She's so into uniforms that she's even got a German officer's uniform from WW2! Then there was another girl in my class named Hiromi, she picked up this giant larva and said she wanted to be an entomologist when she grows up."

Kotaro Okoshi

(Texte de page de garde de Figuisch)

Affiches de films français, versions japonaises

2011-10-26T17:54:00.000-07:00

Celle-ci n'est pas une affiche japonaise mais est tout de même très belle.

Les affiches sont issues du catalogue de l'exposition "Affiches de films français de l'après-guerre" au National Film Center de Tokyo, janvier-mars 2010.

Isabelle possédée

2011-10-21T18:35:00.000-07:00

Entre 1975 et 1983, Isabelle Adjani fut la plus grande actrice du cinéma français. Deneuve, de dix ans plus âgée incarnait «la» française, façonnée YSL. Huppert, sa contemporaine, était déjà précise et cérébrale. Adjani apporta quelque chose d’inconnu, ne relevant d’aucune tradition, qui ne passait pas par l’intellect, qui refusait même sa propre beauté. Finalement proche d’une Barbara Steele, elle fut l’actrice du sang et de la folie - pionnière d’un territoire où seule peut-être Asia Argento et Béatrice Dalle se risqueront par la suite.
D’abord vinrent les fiancées gothiques : Adèle H, l’amoureuse hantée ; Lucy la somnambule qui retient jusqu’à l’aube la sangsue Nosferatu ; Emily Brontë, bien sûr, et son royaume imaginaire. Le danger était qu’elle ne soit plus, comme disait Zulawski, que cette petite chose pâle et tremblante.
Et puis, en 1981, alors qu’elle n’avait que 26 ans, elle devint un monstre, avec le film dont le titre pouvait alors tout entière la résumer : Possession.
Berlin. Une femme double dans une ville double, amante et mère nourricière d’une créature tentaculaire, lointaine évocation du poulpe d’Hokusai. Lors de la scène de démence dans le métro, Adjani est née comme monstre de cinéma, mais morte aussitôt car aucun film, en France en tout cas, ne pouvait l’accueillir. Son territoire est ici celui des arts corporels, dans leur versant le plus extrême. Herman Nitsch et les actionnistes viennois, car son hystérie est aussi politique - incarnation de la colère d’un Polonais exilé ; une sorte de butô occidental car au milieu de la folie, elle n’abandonne pas une certaine stylisation des gestes. La robe bleue tachée de lait, de vomi et de sang, plaquée à sa peau dessine un corps obscur à l’organicité répulsive. Adjani, se hisse alors au niveau des grandes actrices des années 70, les seules dont on devrait se souvenir : les créatures transgressives du cinéma d’horreur et pornographique des années 70, Sissy Spaceck, méduse blanche et sorcière rouge dans Carrie ; Georgina Spelvin et la masturbation abrasive et sans libération de la fin de The Devil in Miss Jones ; Marilyn Chambers, corps absolu du plaisir chez les frères Mitchell (Derrière la porte verte) et vampire chez Cronenberg (Rabid) ; Lina Romay et ses orgasmes sanglants et effrayants chez Jess Franco...
Adjani laissera le monstre à Berlin et deviendra une femme fatale plus classique dans l’adaptation ratée de Mortelle randonnée par Claude Miller ou encore dans L’Eté meurtrier. Le sang et la folie reviendront dans La Reine Margot et Camille Claudel, mais mis sur un piédestal, théâtralisés et trop conscient d’eux-mêmes.
Ce que l’on voyait dans Possession, qui terrifiait, émouvait et enchantait, c’était aussi la passion brute d’une jeune femme pour son métier d’actrice.

Marguerite

2011-10-18T14:50:00.000-07:00

Brigitte

2011-10-18T11:26:00.001-07:00

Voir qu'Angie Dickinson

2011-10-17T15:33:00.000-07:00

D'après "Voir que Krystina Janda joue comme dans un (mauvais) rêve de ce que fut Octobre, un mauvais souvenir." (JLG 1979. Cahiers du Cinéma 300)

C’était d’une cicatrice intérieure qu’il s’agissait

2011-10-16T11:46:00.001-07:00

En 1970, Philippe Garrel tourne La Cicatrice intérieure dans les déserts d’Islande, du Nouveau Mexique et d’Egypte. La caméra tourne en travelling circulaire, creusant ce sillon intérieur, à l’image, au temps et à l’espace.
Au même moment, son père, Maurice Garrel, tourne Les Soleils de l’île de Pâques de Pierre Kast, en France, au Chili et au Brésil.

Des germes poussent dans les paumes des mains des personnages, élus pour rencontrer un peuple venu des étoiles, sur la fameuse île aux statues. Nous sommes quelque part entre Chris Marker et les petites livres rouges de J’ai Lu, l’aventure mystérieuse. Le film passe de temps en temps sur les chaînes du câble. C’est un film d’après-midi d’été, je le regarde du coin de l’œil, ou plutôt d’une oreille puisque j’aime la mélopée de la voix-off de Garrel et les accents des actrices.
Mais ce qui me trouble est précisément ce passage, lorsque Garrel découvre l’étrange marque dans sa main.

«Seulement plus tard, je me souviendrai de cette minuscule brûlure comme un point de départ. Cette même nuit, à l’issu d’une longue série de travaux de recherche, un étrange flot d’images, sans lien logique apparent, m’envahit l’esprit pour la première fois. Emergeant de cette transe, je reprenais mes esprits, quand je vis apparaître sur ma paume, ce que je pris d’abord pour un objet : une sorte de plaque de nacre, que je crus posé dans ma main. Pourtant, je dus me rendre à l’évidence qu’elle faisait partie de moi.
Elle était insensible comme un ongle, impossible de l’arracher. Aucune douleur ni au centre ni sur la périphérie. Aucune inflammation.
Si c’était la croute d’une cicatrice, c’était à coup sûr d’une cicatrice intérieure qu’il s’agissait.»
Comment ne pas voir ici un message secret laissé par Maurice à Philippe.
La marque comme le lien qui les unit.
Le père et le fils toujours accordés.

Les Soleils de l'île de Pâques également sur le Blog of Terror

http://blogofterror.blogspot.com/2011/10/les-soleils-de-lile-de-paques-1970.html

15 masques Nô

2011-10-14T16:06:00.000-07:00

Yoroboshi

Yaseonna

Yamauba

Hannya

Koomote

Fukai

Ooakujo

Asakurajo

Oobeshimi

Hashihime

Deigan

Tiré du livre de Keiko I. McDonald, Japanese Classical Theater in Films (Associated University Press, 1994)

The Black Cat. 3. Bauhaus über Alles.

2011-10-14T06:19:00.000-07:00

The Black Cat. 2. Ladies in the castle.

2011-10-14T05:54:00.000-07:00

The Black Cat. 1. Hjalmar Poelzig

2011-10-14T05:21:00.000-07:00

On ne peut qu’être d’accord avec Raoul Ruiz, lorsqu’il affirmait que Le Chat noir d’Ulmer était l’un des plus beaux films du monde. Sur un charnier de la guerre, Hjalmar Poelzig (Karloff) a dressé son châteaux.
«Chef-d’œuvre de construction édifié sur le chef-d’oeuvre de la destruction, le chef-d’œuvre du meurtre.»
Et là, Karloff et Lugosi, rendus fous par la guerre, s’affrontent pour l’amour d’une femme, un cadavre vivant aux cheveux de soie électrifiés.
Le Chat noir est une folie Bauhaus, dont l’élément le plus spectaculaire est Karloff, façonné, découpé, soumis à un découpage triangulaire. L’homme des morts s’est raffiné et possède désormais une beauté effrayante, démoniaque.
Le travail sculptural d’Ulmer permet, une nouvelle fois, à Karloff de traverser le temps. Il s’inscrit dans la lignée des punks prussiens à la Stroheim et on le retrouvera, à peine changé, dans les films de FJ Ossang. Hjalmar Poelzig, sous d’autres noms (Féodor Aldellio, Docteur Turc, Docteur Ewers, Professeur Starkov), a trouvé refuge aux îles Chiennes et sur les Açores hallucinées des Dharma Guns.

L’étrangement inquiétant

2011-10-13T13:33:00.000-07:00

William Henry Pratt était Anglais, mais il adopta cet étrange pseudonyme russe, Boris Karloff. On raconte que son père était en réalité Indien, ce qui explique son teint singulier et sa prédisposition à incarner des personnages exotiques.

Ainsi, une part de lui-même n’appartenait pas à l’Occident mais plongeait dans une tradition plus ténébreuse, dans le secret de l’adultère - jamais éclairci puisque ses parents moururent alors qu’il n’était qu’un enfant.

Son visage était sévère mais Karloff se retrouva souvent grimé, les yeux fardés comme un maharadjah, la peau noircie. Il interpréta des peaux-rouges, des chinois, des égyptiens, des Indous bien sûr.

Le monstre de Frankenstein ne fut qu’un avatar de ces personnages étrangers, hors de l’humanité elle-même.

Le surnom qui lui fut donné par Universal fut d’ailleurs The Uncanny, «l’étrangement inquiétant».

The Outsider

2011-10-13T11:00:00.000-07:00

«Car quoique le népenthès ait mis la main sur moi, je sais pour toujours que je suis d’ailleurs, un étranger en ce monde, un étranger parmi ceux qui sont encore des hommes. Et cela je le sais du moment où j’ai tendu la main vers cette abomination dressée dans le cadre doré, depuis que j’ai porté mes mains vers elle et que j’ai touché une surface froide et immuable de verre lisse.»
HP Lovecraft, Je suis d’ailleurs (1921)

Peter marionette

2011-10-12T09:57:00.001-07:00

ses mains ne sont pas ses mains
son visage n’est pas son visage
sa tête n’est pas sa tête
son corps n’est jamais son corps

Mais ses yeux sont ses yeux, et expriment toute la muette horreur de ne jamais être lui-même.

M le maudit (Friz Lang, 1931)
Stranger from the Third Floor (Boris Ingster, 1940)
La Bête à cinq doigts (Robert Florey, 1946)
The Face Behind the Mask (Robert Florey, 1941)
Peter Lorre, Fritz Lang et le moulage de la tête de Lorre dans Les Mains d'Orlac
Crime et Chatiment (Joseph von Sternberg, 1935)

Peter Lorre, 1929

2011-10-06T17:35:00.000-07:00

Bien souvent, Peter Lorre paria sa tête avec le Diable.

Dans le rôle de Moritz Stiefel de la pièce de Wedekind Frühlings Erwachen (Spring’s Awakening), Berlin, 1929. Photo Lotte Jacobi.
Tirée du livre The Lost One: A Life of Peter Lorre de Stephen D. Youngkin.
Site du livre ici

Dollita

2011-10-05T16:38:00.000-07:00

L'écolière japonaise à l'heure de sa reproduction mécanique

2011-10-05T14:17:00.001-07:00

Catalogues 2009

Cherchez le garçon

2011-09-30T16:57:00.000-07:00

En 1980, les Cahiers du Cinéma éditent le numéro spécial "Monstresses", recueil de photos d’exploitation, non pas commentées mais interrogées dans leur pouvoir de fascination même (et surtout) détachées des films dont elles étaient issues. Le principe sera repris et étendu par Jean Louis Schefer pour son Homme ordinaire du cinéma. En page 60, cette photo de Michiyo Yasuda dans le Deuxième sexe (Sekkusu chekku - Daini no Sei, 1968) de Masumura.
La même année sort «Cherchez le garçon» de Taxi Girl. La pochette est une reprise par Kiki Picasso de la même image. On peut d’ailleurs supposer que c’est précisément dans Monstresses que le peintre Bazooka est allé chercher son inspiration. Le rapport entre le film, que, Kiki Picasso n’avait sans doute pas plus vu que Jean Louis Schefer, et la chanson réside dans le jeu sur les genres. La jeune fille qui se rase du Deuxième sexe est une sprinteuse poussée à bout par son entraîneur et qui perd jusqu’à son identité sexuelle. Kiki Picasso a rajouté des yeux de félin à Michiyo Yasuda, et a doté la mousse à raser d’une très étrange fluorescence.
On a l’impression que c’est sa peau que rase la créature, faisant apparaître un androgyne fantastique.

Au dos du même numéro, on trouvait aussi cette image fascinante de Premier amour, version infernale de Susumu Hani.

Romain Slocombe, illustrations japonaises

2011-09-30T15:39:00.000-07:00

Des illustrations de Romain Slocombe pour Folio, ma préférée est sans doute celle du Marin rejeté par la mer de Mishima, avec ses couleurs incroyablement vivantes et sa ligne claire. L’avantage de ces illustrations est bien sûr qu’on peut les «saisir» et qu’elles sont chargées de la dimension du texte. Aujourd’hui, je me rends compte combien ces illustrations furent une première approche du cinéma japonais et constituaient les affiches idéales d’ adaptations rêvées.

Chris. Marker nous parle des sorcières-chattes japonaises

2011-09-25T15:03:00.000-07:00

"Je ne sais pas combien il s’est fait de films sur la Bake-neko. Qu’ils soient tous ignorés en Europe en dit long sur la culture de cette petite péninsule caractérielle. (En Amérique, on peut les voir sur la côte Ouest, grâce aux stations de TV japonaises.) Le déroulement est toujours le même : un homme est assassiné. Le chat, témoin du meurtre, fait entrer son esprit dans le corps d’une femme — et là, quelle que soit la version, il y a toujours une scène prodigieuse, celle où la femme commence à mêler, dans ses gestes, le comportement du chat au sien, quand elle se met à griffer lentement l’air avec sa… patte, quand elle se met à laper au lieu de boire. Cette femme va devenir l’instrument de la vengeance, et les meurtriers, elle va leur faire passer le goût du saké. Mais ce qui est très caractéristique, c’est que ce personnage de vengeresse somme toute sympathique au regard de la morale populaire va inévitablement en faire trop. La vengeance déchaînée s’étend à d’autres innocents, le sang coule à flots, et rituellement (après qu’on ait eu droit par exemple, pour citer un des plus beaux fleurons du genre, à sa tête coupée volant au-dessus des maisons) le conte s’achève par la mort cruelle de la femme-chat qui reprend son apparence, comme le Docteur Jekyll et l’homme invisible. La violence une fois lâchée, le désordre est partout, il ne peut pas se satisfaire d’une élémentaire loi du talion, meurtre pour meurtre ; toute idée de justice, de réparation est dérisoire, la violence ne s’achèvera qu’en s’engloutissant elle-même, comme un volcan."

Chris. Marker, Le dépays (1982).

Le texte intégral du Dépays : ici

Le dossier de presse de Sans soleil de Chris Marker

2011-09-25T06:09:00.000-07:00

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Je m'aperçois, en explorant la page des coupures de journaux du dossier de presse, que Doraemaon, le chat robot sans oreilles de Hiroshi Fujimoto, est un proche cousin du chat Guillaume.

Kanashimi no Belladonna

2011-09-24T12:15:00.000-07:00

Trouvé aujourd’hui à la foire au cinéma d’Argenteuil, un jeu complet de photos d’exploitation françaises de Belladonna (Kanashimi no Belladonna, 1973) de Eiichi Yamamoto. C’est l’un des trésors cachés de l’animation japonaise, une adaptation érotique et psychédélique de la Sorcière de Michelet. Signé par un assistant de Tezuka, Belladonna n’a pas grand chose à voir avec l’animation japonaise en général : parfois seulement crayonnés, aucun dessin n’est lisse et les encres et aquarelle produisent des matières inattendues ; c’est davantage une série d’illustrations à l’animation succincte mais hypnotique. Avec son imagerie symboliste et décadente, entre Klimt et Beardsley, Belladonna s’inscrit davantage dans l’underground baroque de Terayama et Matsumoto, que dans le style usuel des animés. Sa beauté réside dans ses transformations symboliques : une pluie de sang s’échappe du sexe de Belladonna pour se transformer en chauve-souris écarlates ; ou encore la jouissance de la sorcière nue emportée dans l’ombre gigantesque du Prince des Ténèbres, qui se dilate et se contracte autour de son corps blanc et éperdu.

Miwa - album photo 1968. En privé.

2011-09-23T05:38:00.000-07:00

Miwa - album photo 1968. Sa vie en images.

2011-09-23T05:32:00.000-07:00

Miwa - album photo 1968. Le Lézard noir.

2011-09-23T05:28:00.000-07:00

Sur Youtube, une vidéo de Miwa, chantant la thème du Lézard Noir de Fukasaku. L'intérêt, inestimable, de la vidéo est de reproduire les pages d'un livret, composé d'une cinquantaine de photos, accompagnant probablement un 45t à la sortie du film, en 1968.

Le livret se compose de 3 parties (+ la partition de la chanson) : Miwa en Lézard noir et aux premières du film (en compagnie de Mishima). Sa vie en image. Miwa en privé.

Miwa en Lézard noir

AKA ANA. Un film de Antoine d’Agata. 2006.

2011-09-23T04:01:00.000-07:00

Texte de la voix-off (extrait)

Je veux te raconter les histoires de ces filles.
Celle pour qui le sexe est une arme dont elle se sert pour tuer l’homme.
Celle qui pour le goût de la salive, le goût du sperme, et le goût du vomi qui se mélangent, sont le goût de la vie et la soulagent.
Celle qui tente de vivre sans ressentir les blessures de son cœur et de son corps.
Celle pour qui travailler au bordel reste incompréhensible.
Celle qui, après le sexe, vole de l’argent dans le portefeuille de ses clients.
Celle qui a été violée par l’homme qu’elle aime.
Celle qui pense : « Je le veux. » et ne pense que cela quand elle choisit un homme.
Celle qui est devenue dépendante de son souteneur et de la masturbation.
Celle qui a été élevée comme un animal domestique par un homme riche.
Celle qui, en préservant l’amour, obéit au sexe, à l’homme, et à son vagin.
Celle qui sait qu’elle va mourir bientôt et ressent du désir pour son amant.
Celle qui se demande si elle est sale, mécanique sexuelle sale, achetée par des hommes sales.
Celle qui pense être morte à cause d’un viol, et espère se venger par le sexe.
Celle qui a reçu le sperme de cinquante hommes et en a joui.
Celle pour qui le sexe et elle-même ne sont que de l’argent, et qui vit de croire cela.
Celle pour qui se regarder baiser est le seul acte qui la rende consciente de sa vie.

C’est presque une même mémoire que nous avons toi et moi. Dans des chambres d’hôtels obscures, toutes les nuits tu rencontres des filles. Tu ne comprends pas le monde, tu l’avales c’est tout. Le remède est de vivre. Mais vivre est difficile.
Tu pensais changer le monde, tu sais maintenant que tu ne peux que regarder. C’est la perfection que tu cherches même si c’est insensé.

Ce que tu sais te rend fort mais ta vanité suffit à te perdre.
Dans le monde tout est miroir et tes blessures intérieures se reflètent dans tes yeux vides.
Tu as dit que tu voulais me filmer mais tu voulais me toucher. Tu essaies de te libérer en te débattant. Tu me suis à la trace. J’étais perturbée mais j’ai accepté pour toi.
Tu ne m’as jamais parlé de tes vraies raisons. Mon espoir et mes blessures seront dévorées. Est-ce pour moi aujourd’hui que je pleure ? Ou est-ce pour ton cœur, dont j’ai touché la pureté ?
Sors-moi de là...
Le trou rouge... c’est peut-être toi.

AKA ANA
Un film de Antoine d’Agata

C’est dans un lieu désertique qu’elle apparait, comme une illusion, une ville fantôme qui, malgré son apparence, n’a pas de substance. C’est une zone qui accepte et avale les gens fragiles. Là souffle le vent du désert.

Elle est la source du désir humain comme une force magnétique, une topographie qu’on ne trouve pas ailleurs.
Elle est brute, dépouillée et sans fard. Elle est floue et anonyme. Elle avale tout, comme un liquide organique, elle irrigue la chair et simplement l’humain.

Filmer l’état de cette ville, et son paysage, en donner une image aboutie est totalement impossible. Comme une amibe, elle se multiplie, se divise sans cesse, et, en frémissant, vit le jour et la nuit, continue sa multiplication énigmatique. Au bout de la jouissance sexuelle, la mort est là qui attend. La mort et le sexe sont proches mais distincts. La mort est une masse de particules, un brouillard qui enveloppe l’humain. La mort est un nuage de poussière qui flotte autour de la vie.

Damnées à Shibuya

2011-09-12T05:02:00.000-07:00

Guilty of Romance de Sono Sion est comme la reprise, ambitieuse et opératique, des roman porno écrits par Dan Oniroku ou Naomi Tani jouait des femmes au foyer sombrant dans la prostitution. Le jeu de soumission était toujours un leurre et l’actrice dévoilait soudain son vrai visage, exorbité par la folie et le plaisir, comme une version japonaise de la Dirty de Bataille.

Guilty of Romance se déroule en grand partie à Maruyama, la colline des love hotels de Shibuya. Ces petites chapelles multicolores trouvent une version dégradée - mais qui est aussi leur vérité - dans l’hôtel en ruine où Izumi, la femme au foyer, suit Kazuko la professeur qui ne se prostitue que pour atteindre l’enfer, le jigoku.

Makoto est damnée et depuis l’enfance le feu des désirs interdits dévore ses entrailles.

Izumi est entraînée, toujours un peu plus loin dans le monde de Kazuko, jusqu’à s’apercevoir que le love hotel en ruine était aussi le double infernal de son propre foyer. Elle perd alors définitivement son chemin, oublie qui elle est, et gagne un territoire qui n’est plus Tokyo, qui est peut-être Osaka, où les prostituées ne sont même plus japonaises.

Est-elle parvenue à atteindre le Château ?

Captain America, requiem pour un super héros vierge

2011-09-10T07:22:00.000-07:00

Steve Rogers, alias Captain America est vierge. Mais vierge de quoi exactement ? Son sacrifice, qui évite un 11 septembre qui aurait eu lieu en 1940, le laisse prisonnier des glaces en Alaska. Il ne sort de son sommeil qu’en 2011.
Habilement le scénario lui fait livrer une seconde guerre mondiale parallèle, non contre Hitler et les nazis mais contre Crâne rouge (son double maléfique puisqu’il est issu de la même technologie) et l’armée secrète allemande Hydra. Le Cap' n’influe donc pas sur le cours d’une histoire qu’il appartient aux homme de régler. Congelé pendant plus de 60 ans, il évite de participer aux «sales guerres». Il n’y aura donc pas de Captain America au Vietnam (ce rôle est assuré par le Comédien, son double sardonique dans les Watchmen d’Alan Moore), ni de Captain America pendant la première guerre du Golfe. Absent pendant le11 septembre, le Captain America ne sera pas devenu un héros de l’Amérique de Bush, participant aux mensonges de la guerre d’Irak.
Le patriotisme du Cap’, vierge et innocent, est celui de l’Amérique d’Obama.

Yoshihiro Nishimura et Yumiko Hara

2011-09-10T03:58:00.000-07:00

. 9 septembre 2011. Interview à l’Étrange festival.